внимание на избранных: они не испытывают гордости; наказание их сотоварищей вызывает у них головокружение; под тяжестью собственных тел они не падают лишь потому, что о них заботятся: их усаживают, поддерживают».

Паоло Веронезе (1528–1588)

Ученик Тициана, Веронезе любил масштабные композиции (Брак в Кане или Пир в доме Левия), пышный блеск, светлые тона, драгоценные ткани, роскошь и величие, любил удивлять и даже эпатировать. В 1573 году он предстал перед трибуналом инквизиции, который признал безнравственной его картину Пир в доме Левия. Веронезе вышел из затруднительного положения, сославшись на право художника «на те же вольности, которыми пользуются поэты и сумасшедшие». Веронезе упрекали в поверхностности. О нем писали, что его человеческий род отличает лишь внешний блеск, что зритель приглашается на праздник, шум которого утомляет. Однако его симфония красок, всегда трудно поддающаяся анализу, создана из подлинных и живых элементов и построена на крепком основании. С этой точки зрения искусство Веронезе представляется своего рода противоядием мрачным фантазиям Тинторетто. Там, где Тинторетто играет кривыми линиями и изгибами и возведенной в систему асимметрией, Веронезе утверждает незыблемость горизонталей и вертикалей и некую особую безмятежность и аристократическую роскошь тех, кому она принадлежит по праву рождения. Эстетика Веронезе — это эстетика фронтальности и симметрии. Все стремится сохранить устойчивость и радовать глаз без лишней умозрительности: и в этом Веронезе, безусловно, является антиподом Микеланджело. Но за стремлением радовать глаз изобилием персонажей, декораций и действия прячется мощное организующее начало. Здесь, несмотря на влияние тициановской колористической эстетики, главенствует линия. Материя остается легкой, прозрачной, соответствующей атмосфере праздника, где смешиваются античность и мифология (Марс и Венера. Галерея Сабуда, Турин или Марс и Венера. Ок. 1580. Музей Метрополитен, Нью-Йорк). После того, как чума унесла жизни его близких, Веронезе обратился к драматическим сюжетам, в его искусстве появились трагические мотивы, интеллектуализм: таково Распятие 1570–1575 годов, которое открывает поздний период его творчества.

Доменикос Теотокопулос, прозванный Эль Греко (1541–1614)

Испанский художник, грек по происхождению, Эль Греко (наст. имя Доменикос Теотокопулос) родился на Крите, когда остров находился под властью Венеции. Искусство портрета он изучал под влиянием Тициана, у Тинторетто учился строить сложные перспективные конструкции и крупноформатные композиции — это был важнейший этап для художника, сформировавшегося в рамках византийской и иконописной традиции. Тридцатишестилетним он прибыл в Толедо. Без сомнения, около 1570 года художник побывал проездом в Риме, где познакомился с произведениями маньеристов. Его произведение Триумф Имени Христа получило одобрение Филиппа II Испанского. Но картина Мученичество святого Маврикия королю не понравилась. Удалившись от двора, Эль Греко поселился в Толедо, где прожил до самой смерти. На протяжении XVI века этот город был духовным центром Испании. Здесь творили современники Эль Греко: великие испанцы Сервантес, Лопе де Вега и Тирсо де Молина. Получив заказ на роспись церкви Сан-Томе, он исполнил в 1586 году огромную алтарную картину Погребение графа Оргаса. Ее успех был огромным. Эль Греко создал стиль, в котором Испания узнала себя: в нем соединились экзальтированность видения и сумрачный лиризм, исступленная набожность и набожное исступление. В Толедо работы художника шли буквально нарасхват, его мастерская работала с большим размахом. Эль Греко смог, наконец, удовлетворить свое стремление к роскоши, что не помешало ему сохранить чистоту вдохновения и поражать смелостью своих приемов, в которых преобладает ирреальное начало: в чрезмерно вытянутых фигурах (Лаокоон), в форсированных световых эффектах (Крещение Христа), вызывающих в памяти произведения Тинторетто. Эль Греко, любивший работать по ночам, нисколько не беспокоился о достижении впечатления реальности. Это качество дает основание сравнивать его с Гойей и с более близкими нам по времени художниками-экспрессионистами. Но его творчество сохраняет ту непосредственность, которую отвергло Возрождение. Эта своеобразная архаичность делает в наших глазах искусство эль Греко поразительно современным.

Классицизм

Аннибале Карраччи (1560–1609), Гвидо Рени (1575–1642), Доменико Дзампьери, прозванный Доменикино (1581–1641), Джованни Франческо Барбьери, прозванный Гверчино (1591–1666)

Около 1585 года в Болонье братья Карраччи основали «Академию вступивших на истинный путь» («Академию дельи Инкамминати»), где велось обучение на основе тщательной работы с моделью и скульптурой, а также копирования старых мастеров. Аннибале Карраччи провозгласил одним из устремлений данного учреждения возврат к традиции Рафаэля, заложив тем самым основы классицизма.

Зародившись как реакция на крайности маньеризма, классическое течение в равной мере было противопоставлено и караваджистскому реализму. Между воображаемым и реальным, между фантастическим и приземленным классицизм отстаивал представление об идеальной форме: красота призвана быть плодом гармонии. Итог художественных исканий — это форма, извлеченная из реального опыта, преображенная работой памяти, возвеличенная и, в этом смысле, почти священная. Классицизм чтит каноны, образцы, гармоничные сочетания, умеренность, соразмерность и симметрию. Но он также признает природу и историю, которые редко подчиняются канонам и образцам.

Классицизм ставил в упрек маньеристам отсутствие правдоподобия, реалистам — обратное, требуя от художника возвышения, идеализации природы. Классицизм является, таким образом, третьим путем, не принимающим как буквального отражения действительности, так и изощренности ее трактовки.

В первые десятилетия XVII века болонская традиция была продолжена творчеством художников Рени, Доменикино и Гверчино. Эти мастера, формально сохранив пластический императив гармонии, добавили в повествовательное содержание своих композиций моральное и драматическое начало, словно опасаясь, что эта торжественная, официальная и претенциозная живопись могла привести только к трагическому видению окружающего. И в этом устремления классицизма совпадали с главными натуралистическими поисками караваджистов.

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571–1610), Жорж де Латур (1593–1652), Филипп де Шампень (1602–1674)

Караваджо жил в эпоху стилистического перелома в искусстве, что не могло не повлиять на его творчество. Приверженность контрастам и игре света (люминизм), стремление к натуралистическому образу человека и мира составляют основу его живописной манеры. В ранних работах художника заметно влияние живописи Тициана и Джорджоне (Лютнист, Вакх). Но уже в этих произведениях видны характерные черты стиля Караваджо: изображение одной фигуры и связанных с ней атрибутов, яркий колорит и реалистическая передача модели, отказ от композиций на исторические темы.

В поздний период своего творчества Караваджо освободился от влияния маньеризма. Стиль его стал подчеркнуто реалистичным. Влиянием искусства Караваджо отмечено все европейское искусство XVII века. Жорж де Латур унаследовал от Караваджо приемы люминизма, но драматическая игра света и тени нейтрализуется в его сценах умиротворенностью лиц — персонажи Латура погружены в медитативное созерцание. В отличие от Караваджо, он изображает спокойные чувства и движение духа к первоистокам.

Композиции Шампеня отличает строгость, а палитру — сдержанность, как в знаменитом образе Ex voto (По обету) из Лувра: