Постмодернизм

Рождение постмодерна произошло после завершения двух мировых войн, на фоне разочарования в идеалах, которыми жила Европа на протяжении столетий. Все художественные идеи были реализованы, и даже эксперименты авангардистов остались далеко в прошлом. Отсюда берут начало те тенденции и законы, в соответствии с которыми будут творить постмодернисты.

» Разочарование в идеалах, признание несостоятельности большинства гуманистических идей, лежавших в основе западноевропейской цивилизации, сделали важнейшим для художников-постмодернистов принцип деконструкции — разрушение смыслов, привычного восприятия предметов и любых явлений.

Искусством может стать теперь даже куча мусора — если к ней прикоснулся художник и она представлена в соответствующем контексте.

» Постмодернисты отрицают всякую систему ценностей, разрушают иерархии, считают невозможным различить добро и зло. Поэтому попасть в поле зрения, оказаться ценным и важным может что угодно.

То, что пряталось «за кулисами» культуры, стало пробираться «на сцену». Поэтому неотъемлемой частью постмодернизма становятся маргинальные явления культуры, так называемый материально-телесный низ. Характерным примером проникновения этой темы в искусство можно назвать консервные банки Пьеро Мандзони с находящимися в них продуктами жизнедеятельности художника. Это пример разрушения привычных ценностей и установленных в искусстве и человеческом обществе норм.

В такой интерпретации чувствуется насмешка и над зрителем, и над искусством прошлого. Это новое отношение и к прошлому, и к настоящему в искусстве — один из явных знаков очередного переосмысления его целей.

» Деконструкция, лежащая в основе мироощущения постмодерна, подтолкнула художников к новой тональности — всеразрушающей беспощадной иронии. Любой постмодернист скрыто или явно стремится посмеяться над зрителем, запутать, направить не в ту сторону, указать ложные причинно-следственные связи и т. д.

Подобная ирония — это способ обесценить задачи искусства, сформулированные прошлым, перевернуть всё с ног на голову. В работах Он Кавары предметом изображения служит лишь дата создания «произведения». Художник потратил время и усилия на что-то, что прежде было самой незаметной частью картины или отсутствовало вовсе.

Важным событием, повлиявшим на формирование эстетики постмодерна, стала статья французского литературоведа Ролана Барта «Смерть автора» (1968 г.). Он говорит о так называемом устранении автора из литературного текста. Фактически любое современное произведение представляется автору статьи «сотканным из цитат, отсылающих к тысячам культурных источников. Писатель <…> может лишь вечно подражать тому, что написано прежде…» (цитата из статьи Р. Барта «Смерть автора», 1968).

» Художественное произведение постмодерна строится из цитат. Это касается и визуальных искусств.

Повторение идей, мотивов, приёмов и образов, использованных художниками прошлого, прослеживается уже в картинах Пабло Пикассо и Сальвадора Дали. Иногда картины неузнаваемо меняются. Например, в работе Пикассо «Менины» Веласкеса узнаются не сразу. Зато в работе Дали мы видим почти точное воспроизведение её фрагмента, где художник-сюрреалист, используя один из своих излюбленных методов, загородил лицо инфанты Маргариты огромной жемчужиной.

Если для Пикассо и Дали обращение к известному шедевру из прошлого было лишь одним из способов самовыражения, то у художника-постмодерниста эта тенденция будет усиливаться, порой доходя до абсурда и настоящего издевательства. Иногда классический образ используется без какой-либо переработки, но при этом выступает в новой непривычной роли.

Именно конец ХХ столетия стал эрой ремейков и кавер-версий, иногда цитирование даже становится основным методом создания произведения. Художники обращаются не только к классическим образцам, но и к современным, беря за основу самые известные, популярные и даже банальные источники — рекламу, комиксы, популярные издания. Американский художник Рой Лихтенштейн создавал работы, копируя иллюстрации из журналов: он выбирал фрагмент картинки и увеличивал его масштаб. При этом ему было важно сохранить эффект печатного изображения, и в его работе «Безысходность» видны маленькие точки — печатный растр.

» Важнейшим героем искусства второй половины ХХ века становится вещь — в противовес абстрактному, беспредметному искусству.

Ещё в начале столетия Марсель Дюшан заявил, что произведением искусства может стать любой предмет, и новая роль вещи в искусстве началась с дадаистов. Затем это продолжилось в творчестве Сальвадора Дали, который создавал сюрреалистические арт-объекты, соединяя различные предметы между собой: например, «Телефон-лобстер».

Однако мастера конца ХХ века отдают предпочтение предметам, связанным со сферой потребления; как правило, это объекты массовой культуры.

Для постмодернизма это стало одним из способов говорить о разрушении системы ценностей в культуре и обществе, насмешкой над зрителем, потребляющим искусство как любой другой продукт. Художники постмодерна предпочитают фиксировать весьма специфические объекты. Часто это предметы бесполезные, не заслуживающие внимания в обычных обстоятельствах — мыльные пузыри, пластиковые игрушки, еда и прочие предметы из обычной жизни. Иногда с такой же точностью создаются портреты и пейзажи; примеры подобного подхода есть и в скульптуре.

Но помимо восхищения техникой, эти произведения вызывают у зрителя закономерный вопрос: зачем делать то, что может фотография? Но сами работы как бы говорят, что, несмотря на невероятные способности, художник может лишь повторить, скопировать нечто уже существующее в природе или в искусстве. То есть «вечно подражать тому, что написано прежде», как утверждал Барт.

Вопрос «зачем?» — это один из наиболее часто задаваемых современным художникам. Однако иногда ответ лежит на поверхности — например, работы часто связаны с политикой. Отчасти это связано с большей информированностью благодаря техническому прогрессу. Как правило, политическая ситуация, к которой отсылает произведение, тоже подаётся через высмеивание, с иронией и оттенком абсурда.

Деконструкция, разрушение смыслов становится своеобразной игрой со зрителем. Художник как бы предлагает нам самим создать произведение, и для этого он использует многочисленные оптические приёмы, показывает разные точки зрения на изображение, специально закладывая разные возможности для интерпретации. Или просто физически поучаствовать в процессе — скажем, Энди Уорхол предлагает смотрящему самостоятельно раскрасить картину. Такие же приемы используются и в литературе — писатель Хулио Кортасар в романе «Модель для сборки» делает читателя соавтором текста, позволяя тому конструировать его по своему усмотрению.

Заключение

ХХ век — время сложное и противоречивое, как и его искусство. Одна из очевидных тенденций современности — дематериализация объекта искусства, то есть полное отсутствие изображения.

Если в классическом искусстве зритель концентрировался на том, что изображено, то с появлением импрессионистов он начал задумываться и о том, как произведение создано. А к концу ХХ века многие мастера стали превращать своё творение в чистое действие, фактически спектакль. Это